Il Graffiti Writing (Graffitismo in italiano) rappresenta una delle forme d’arte più controverse e affascinanti della cultura urbana contemporanea. Sebbene le radici culturali affondino negli anni ’60, il movimento del Graffiti Writing come lo conosciamo oggi – con tag, throw-up e pezzi elaborati – esplose e si codificò a New York tra il 1969 e i primi anni ’70. Da lì, questo fenomeno ha attraversato un percorso straordinario che lo ha portato dalle stazioni metropolitane di New York alle più prestigiose gallerie d’arte internazionali. Ma come è avvenuta questa trasformazione? E quali sono state le figure chiave che hanno reso possibile questo cambiamento di percezione?

La storia del Writing è inscindibile dalla nascita della cultura Hip Hop e dai movimenti di protesta che hanno caratterizzato l’America degli anni ’70. Quello che iniziò come semplici tag sui muri del Bronx si è evoluto in una forma d’arte complessa, ricca di codici estetici e sociali che oggi influenza designer, artisti e creativi in tutto il mondo.

Le Radici Ribelli: Il Writing Come Forma di Protesta

I Primi Segni di una Nuova Era

Il Graffiti Writing affonda le sue radici nei movimenti di protesta urbana degli anni ’60, ma la sua codificazione moderna avvenne tra il 1969 e i primi anni ’70 nelle periferie di New York. In un’America segnata da tensioni razziali e disuguaglianze sociali, i giovani delle periferie trovarono nei muri della città il loro medium espressivo. Non si trattava solo di vandalismo: era una forma di comunicazione, un modo per rivendicare la propria esistenza in una società che li ignorava.

Le prime tag erano semplici firme, nomi seguiti da numeri che indicavano la strada di provenienza. TAKI 183 fu il primo a guadagnare notorietà, quando nel 1971 il New York Times pubblicò un articolo sulla sua ubiquità nei sottopassaggi di Manhattan. Questo ragazzo greco-americano, il cui vero nome era Demetrius, lavorava come messaggero e durante i suoi spostamenti lasciava la sua firma ovunque: sui muri, sulle porte, sui treni.

La Filosofia del “Getting Up”

Il concetto di “getting up” – farsi notare attraverso la propria tag – divenne centrale nella cultura del Writing. Non si trattava semplicemente di scrivere il proprio nome, ma di farlo nel maggior numero di posti possibili, preferibilmente in luoghi difficili da raggiungere o ad alta visibilità. Questa filosofia spinse i writers a sviluppare tecniche sempre più elaborate e coraggiose.

I giovani writers svilupparono un codice d’onore preciso: rispetto per chi era arrivato prima, innovazione stilistica, e soprattutto la ricerca della “fame” – la fama all’interno della community. Era una meritocrazia basata sulla creatività, il coraggio e la costanza.

I Pionieri Leggendari: TAKI 183, Phase 2 e Lady Pink

TAKI 183: Il Primo Re dei Muri

TAKI 183 non fu solo il primo writer famoso, ma anche colui che involontariamente creò il fenomeno mediatico del Graffiti. La sua storia dimostra come un semplice gesto ripetitivo possa trasformarsi in un movimento culturale globale. Dopo l’articolo del New York Times, centinaia di giovani iniziarono a imitarlo, creando le proprie tag e sviluppando stili personali.

La tecnica di TAKI era essenziale ma efficace: un pennarello largo e una firma veloce ma riconoscibile. La sua influenza si estese ben oltre New York, ispirando writers in tutto il mondo e dimostrando che l’arte poteva nascere dalle strade più che dalle accademie.

Phase 2: L’Architetto dello Stile

Phase 2, al secolo Lonny Wood, è considerato uno dei padri fondatori dello stile nel Graffiti Writing. Attivo dal 1971, fu tra i primi a trasformare le semplici tag in vere e proprio composizioni artistiche. Le sue lettere “bubble” – rotonde e colorate – divennero un riferimento stilistico fondamentale.

Phase 2 introdusse concetti rivoluzionari come:

• L’uso strategico del colore
• La creazione di lettere tridimensionali
• L’importanza della composizione nell’insieme del pezzo
• La fusione tra lettering e elementi decorativi

La sua filosofia andava oltre la semplice scrittura: vedeva ogni superficie come una tela potenziale e ogni pezzo come un’opportunità per innovare esteticamente.

Lady Pink: La Regina del Ferro

Lady Pink (Sandra Fabara) ruppe il soffitto di cristallo di una scena prevalentemente maschile, diventando una delle writer più rispettate degli anni ’80. Ecuadoregna-americana, iniziò a scrivere sui treni nel 1979, quando aveva solo 15 anni, e rapidamente divenne famosa per i suoi pezzi colorati e tecnicamente perfetti.

Il suo contributo fu fondamentale in diversi aspetti:

• Inclusività di genere: Dimostrò che il Writing non era appannaggio esclusivo maschile
• Innovazione stilistica: Sviluppò un uso del colore particolarmente raffinato
• Ponte verso l’arte: Fu tra i primi writers a esporre nelle gallerie mantenendo l’autenticità street

Lady Pink rappresenta perfettamente la transizione del Graffiti verso il riconoscimento artistico, senza mai rinnegare le radici urbane del movimento.

I Treni: Gallerie in Movimento della Metropolitana

L’Era d’Oro del Subway Art

 

L’Era d’Oro del Subway Art

Gli anni ’70 e ’80 rappresentarono l’epoca d’oro del Subway Art. I treni della metropolitana di New York divennero le tele mobili preferite dai writers, che li trasformavano in gallerie d’arte in movimento attraverso i cinque distretti della città. Un whole car (treno interamente decorato) poteva essere visto da migliaia di persone ogni giorno, garantendo una visibilità impensabile per qualsiasi altro medium artistico dell’epoca.

Fu in questo contesto che emerse Dondi (Donald Joseph White), considerato da molti il più grande writer di tutti i tempi. Attivo dal 1973 al 1986, Dondi elevò il Writing a livelli artistici mai raggiunti prima. I suoi whole cars erano vere e proprie opere d’arte che combinavano lettere perfettamente proporzionate, personaggi dei fumetti dettagliatissimi e composizioni cromatiche raffinate. Il suo stile inconfondibile influenzò generazioni di writers e stabilì standard tecnici che ancora oggi sono considerati riferimenti assoluti nel movimento.

La scelta dei treni non era casuale: rappresentavano il sistema nervoso della città, collegando quartieri ricchi e poveri, portando l’arte del ghetto nei distretti più esclusivi di Manhattan. Era una forma di democratizzazione dell’arte, che sfuggiva ai canali tradizionali del mercato artistico.

Tecniche e Innovazioni sui Binari

Lavorare sui treni richiese lo sviluppo di tecniche specifiche:

Midnight Bombing: Le incursioni notturne nei depositi ferroviari divennero rituali collettivi. I writers dovevano essere veloci, silenziosi e creativi sotto pressione.

Collaborazioni Creative: I grandi pezzi sui treni spesso vedevano collaborazioni tra diversi artists, ognuno specializzato in particolari elementi: lettere, personaggi, sfondi.

Evoluzione Stilistica: La competizione sui treni spinse verso un’evoluzione stilistica accelerata, con l’introduzione di:

• Wild style (lettere intrecciate e complesse)
• Characters (personaggi dei fumetti e creazioni originali)
• Masterpieces (pezzi che coprivano intere carrozze)

L’Impatto Sociale e Culturale

I treni decorati divennero simboli potenti della cultura giovanile urbana. Ogni morning commute si trasformava in una mostra d’arte non autorizzata, costringendo anche i cittadini più conservatori a confrontarsi con l’espressività dei giovani delle periferie.

Questo fenomeno ebbe un impatto culturale profondo:

• Visibilità Sociale: Diede voce alle comunità marginalizzate
• Innovazione Artistica: Accelerò l’evoluzione degli stili e delle tecniche
• Documentazione: Fotografi come Martha Cooper e Henry Chalfant iniziarono a documentare sistematicamente questo movimento

Dalla Criminalizzazione alla Legittimazione Artistica

La Guerra ai Graffiti

A partire dalla fine degli anni ’70, le autorità di New York intrapresero una vera e propria “guerra ai graffiti”. L’amministrazione di Ed Koch investì milioni di dollari in sistemi di sicurezza, prodotti chimici per la rimozione e programmi di prevenzione. I depositi ferroviari furono blindati, le pene inasprite e fu introdotto il divieto di vendita di spray ai minori.

Questa repressione ebbe effetti contraddittori:

• Radicalizzazione: Spinse alcuni writers verso azioni sempre più spettacolari e rischiose
• Evoluzione: Costrinse il movimento a cercare nuovi spazi e modalità espressive
• Internazionalizzazione: Molti writers americani si trasferirono in Europa, diffondendo la cultura globalmente

I Primi Collezionisti Visionari

Parallelamente alla repressione, alcuni galleristi e collezionisti visionari iniziarono a riconoscere il valore artistico del Graffiti Writing. Sidney Janis, proprietario di una delle gallerie più prestigiose di New York, fu tra i primi a esporre writers come Dondi, Lee Quiñones e Fab 5 Freddy.

Questi primi esperimenti espositivi furono fondamentali per:

• Legittimazione Culturale: Il Graffiti iniziò ad essere discusso come forma d’arte
• Mercato Artistico: Si crearono i primi circuiti commerciali per l’arte urbana
• Documentazione: Le opere su tela permisero una conservazione impossibile sui muri

Il Ruolo dell’Hip Hop Culture

La nascita della cultura Hip Hop negli anni ’70 fu determinante per la legittimazione del Graffiti Writing. Insieme a DJ-ing, MC-ing e B-boying, il Writing divenne uno dei quattro elementi fondamentali di questo movimento culturale globale.

L’Hip Hop fornì un contesto culturale più ampio al Graffiti:

• Identità Comunitaria: Il Writing divenne espressione di una cultura specifica
• Valore Artistico: Fu inquadrato come arte piuttosto che vandalismo
• Diffusione Globale: L’Hip Hop portò il Graffiti in tutto il mondo

Il Ponte Verso le Gallerie d’Arte Contemporanea

I Primi Esperimenti Espositivi

La transizione del Graffiti Writing dalle strade alle gallerie non fu immediata né priva di controversie. I primi tentativi, alla fine degli anni ’70, vedevano writers costretti a riprodurre su tela quello che facevano sui muri, spesso perdendo l’energia e l’autenticità dell’ambiente urbano.

Mostre pionieristiche come “New York/New Wave” (1981) al P.S.1 e “Post-Graffiti” (1983) alla Sidney Janis Gallery segnarono i primi passi verso il riconoscimento istituzionale. Tuttavia, molti writers della prima ora rimasero scettici verso questa commercializzazione della loro arte.

L’Evoluzione Artistica: Dal Muro alla Tela

Il passaggio alle gallerie costrinse i writers ad adattare tecniche e approcci:

Supporti Tradizionali: L’uso di tela e carta richiedeva un adattamento delle tecniche spray, sviluppate per superfici murarie.

Scala e Composizione: Gli spazi espositivi imponevano dimensioni diverse da quelle dei muri urbani, influenzando la composizione delle opere.

Permanenza: A differenza dei pezzi sui muri, destinati a essere cancellati o coperti, le opere su tela acquisivano un valore di permanenza che cambiava il rapporto dell’artista con la propria creazione.

Documentazione: La possibilità di conservare e catalogare le opere permise una maggiore riflessione critica sul movimento.

I Writers che Divennero Artisti

Alcuni writers riuscirono a compiere con successo la transizione verso il mondo dell’arte contemporanea:

Jean-Michel Basquiat: Partito dal tag “SAMO©” sui muri di SoHo, divenne uno degli artisti più quotati del mercato internazionale.

Keith Haring: Sebbene non fosse un writer tradizionale, sviluppò il suo stile iconico nelle stazioni della metropolitana, portandolo poi nelle gallerie di tutto il mondo.

Futura 2000: Uno dei writers più innovativi degli anni ’80, riuscì a mantenere l’estetica street adattandola perfettamente agli spazi espositivi.

Questi artisti dimostrarono che era possibile mantenere l’energia e l’autenticità del Writing anche in contesti commerciali e istituzionali.

La Scena Italiana: Dalla Mimesi all’Innovazione

I Primi Passi del Writing in Italia

Il Graffiti Writing arrivò in Italia a metà degli anni ’80, portato da giovani che avevano visitato New York o attraverso i primi documentari e pubblicazioni sul movimento. Milano, Roma e Bologna furono le prime città a vedere nascere crew locali che inizialmente imitavano gli stili americani.

La scena italiana si sviluppò con caratteristiche peculiari:

• Adattamento Urbano: Le città italiane richiesero un adattamento delle tecniche americane
• Influenze Artistiche: La ricchezza del patrimonio artistico italiano influenzò molti writers locali
• Sviluppo Autonomo: Gradualmente, la scena italiana sviluppò stili e approcci originali

Writers Italiani di Riferimento

La prima generazione di writers italiani include figure fondamentali che hanno segnato la nascita del movimento nelle principali città:

Milano: Kayone e Flycat, pionieri della scena milanese, furono tra i primi a sviluppare uno stile italiano riconoscibile, adattando le tecniche americane al contesto urbano lombardo.

Roma: Diamond e Stefano Pane Monfeli rappresentarono l’anima della capitale, con Diamond che divenne uno dei più tecnici della prima generazione, influenzando molti writers delle generazioni successive, mentre Stefano Pane contribuì alla diffusione della cultura Writing nel centro Italia.

Bologna: Eron, writer bolognese che riuscì presto a fare la transizione verso l’arte contemporanea, mantenendo sempre legami forti con la street culture e diventando un punto di riferimento per l’evoluzione artistica del movimento.

Dal Writing alla Street Art Contemporanea

La scena italiana ha dimostrato una particolare capacità di evoluzione, con molti artists che sono riusciti a creare un ponte tra Writing tradizionale e Street Art contemporanea. Artisti come Blu, Eron e 2501 hanno conquistato riconoscimento internazionale, esponendo in gallerie prestigiose senza rinnegare le radici urbane.

Conclusione: Un’Arte in Continua Evoluzione

L’evoluzione del Graffiti Writing da forma di protesta urbana ad arte riconosciuta rappresenta una delle trasformazioni culturali più significative degli ultimi cinquant’anni. Quello che iniziò come un semplice gesto di ribellione – scrivere il proprio nome su un muro – si è trasformato in un movimento artistico globale che continua a influenzare design, pubblicità, moda e arte contemporanea.

La strada dai muri alle gallerie non è stata lineare né priva di controversie. Molti writers della prima ora continuano a preferire l’autenticità della strada al riconoscimento istituzionale, mentre altri hanno abbracciato pienamente la legittimazione artistica. Questa tensione creativa tra underground e mainstream continua a alimentare l’innovazione nel movimento.

Oggi, il Graffiti Writing si trova in una fase di maturità artistica che gli permette di dialogare con tradizioni artistiche consolidate mantenendo la propria identità ribelle. Le nuove generazioni di writers e street artists continuano a sperimentare, utilizzando tecnologie digitali, nuovi materiali e approcci concettuali che arricchiscono costantemente questo linguaggio artistico.

Il Writing ha dimostrato che l’arte può nascere ovunque, anche e soprattutto dove meno te lo aspetti. E in un’epoca in cui i confini tra cultura alta e bassa si fanno sempre più labili, la lezione dei pionieri come TAKI 183, Phase 2 e Lady Pink rimane più attuale che mai: l’arte vera nasce dalla necessità di esprimersi, non dal permesso di farlo.